艺术家的修养包含什么?_百度知道
艺术家的修养包含什么?
　　（1）艺术家是艺术生产的创造者。艺术家是专门从事艺术生产的创造者的总称。艺术家应当具备艺术的天赋和艺术的才能，掌握专门的艺术技能和技巧，具有丰富的情感和艺术的修养，通过自己的创造性劳动来满足人们特殊的精神需要即审美需要。作为一种特殊的精神生产，艺术生产既不同于其它形式的精神生产，更不同于人类的物质生产，具有自己独具的规律和特征。　　第一，艺术家内部有多种多样的职业和分工。由于艺术生产具有复杂性和多样性的特点，使得在艺术家这一总称下，又有许多各自不同的艺术分工。艺术家既包括以集体劳动方式进行创作的文学作家、雕塑家、画家等，也包括以集体劳动方式进行创作的戏剧艺术和影视艺术的编剧、导演、演员、美工等等。在戏剧、电影、电视、舞剧、交响乐等这样一些集体创作的艺术形式中，整个作品的艺术形象是由许多艺术家们组成的创作集体完成的。　　第二，真正的艺术家往往具有为艺术而献身的精神。由于艺术生产是一种自由自觉的精神生产，真正的艺术家绝不把艺术作为谋生或获取名利的手段，而是看作自己毕生的事业和追求，并为之奉献自己的全部心血和生命。司马迁遭受酷刑后发愤著书，写出了将历史的科学性和文学的优美性巧妙结合在一起的巨著《史记》，在中国文学史上产生了相当大的影响，被鲁迅誉之为“史家之绝唱，无韵之《离骚》”。曹雪芹晚年在“举家食粥酒常赊”、“卖画钱来付酒家”的贫困清苦的生活中，“披阅十载，增删五次”，才完成了《石头记》 ( 即《红楼梦》) 的创作，正如曹雪芹自己所讲：“字字看来皆是血，十年辛苦不寻常”。社会责任感和对艺术执着的爱，在艺术创作活动中往往转化成为强烈真挚的感情，成为艺术家进行创作的内在动力，从这种意义上完全可以讲，一切伟大的作品都是艺术家的呕心沥血之作。　　第三，艺术家具有敏锐的感受、丰富的情感和生动的想象能力。由于艺术生产是一种特殊的精神生产，它的突出特点是把艺术家强烈的主观因素渗透到艺术创作之中，并且“物化”为艺术作品和艺术形象，因此，艺术家在艺术创作中占有核心地位，艺术家的内在精神世界显得尤其重要和突出。艺术家自身的感受、情感、思想、心境、愿望、志趣等因素，对艺术创作活动都有着至关重要的意义。正因为如此，艺术家必须具有超出常人的敏锐感受力，异于常人的丰富情感，强于常人的艺术想象力。艺术家应当具有特别敏锐的观察、体验与感觉生活的能力，并且将自己强烈的情感和逼真的想象力融汇入艺术作品中，才能创作出有血有肉、生动感人的艺术形象。　　第四，艺术家具有卓越的创造能力和鲜明的创作个性，具有强烈的创新意识。科学技术与文学艺术一样，都离不开创新。离开了创新，科学技术就不能发展；离开了创新，文学艺术就失去了生命。相比之下，精神生产比物质生产需要更多的创造性。尤其是艺术生产比起其它精神生产来，更需要艺术家将自己独特的艺术风格和创作个性“物化”在自己的艺术作品或艺术形象之中。从本质上来讲，艺术独特性是艺术生产的一个重要特征。艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。艺术的生命就在于创造和创新。没有创造，没有创新，就没有艺术。这就意味着艺术家必须不断地超越前人，超越同时代人，以及不断地超越自己。　　第五，艺术家必须具有专门的艺术技能，熟悉并掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。由于艺术生产是一种特殊的精神生产，它与物质生产也有某些相似之处，这就是通过劳动创造出“产品”来。对于艺术生产来讲，就是要创造出艺术作品或艺术形象，这就要求艺术家应当具有艺术表现的技巧和艺术传达的能力。　　（2）艺术家与社会生活。作为艺术创作的主体，艺术家与社会生活有着十分密切的关系。任何艺术作品都是艺术家对于社会生活的能动反映和艺术创造的产物。艺术创作从主客体两方面来看，都与社会生活有着十分密切的关系。从创作客体来讲，社会生活是创作的源泉和基础，艺术创作不能离开客观现实社会生活；从创作主体来讲，艺术家总是属于一定的时代、民族和阶级，艺术创作归根结底受着一定社会生活方式的制约，也与艺术家本人的生活实践与生活经历密不可分。显然，从这两个方面来讲，艺术家在从事艺术创作时，都与社会生活有着不可分割的联系。　　一方面，社会生活是艺术创作的源泉和基础，因而，艺术家对社会生活的观察和体验就显得十分重要，历代艺术家们在这方面都有着许多深切的感受和体会。对于社会生活的这种观察和体验，作为进行二度创作的表演艺术家们来说，也具有同样重要的意义。已故著名电影演员金山曾经把电影表演艺术归纳为三个原则，即：思想、生活与技巧。　　艺术家对社会生活的这种观察与感受又分为直接体验与间接体验两种情况。　　所谓直接体验，是指艺术家在生活中亲身的所见、所闻、所感、所遇，这些亲身经历往往成为艺术家创作的原料，往往激发起艺术家的创作欲望，激发起艺术家生动的想象和丰富的情感。　　所谓间接体验，是指艺术家从他人的言谈和著作中所吸取的生活经验，这些间接的生活体验常常可以扩大艺术家的视野，拓展艺术家的生活积累，诱发艺术家的创作灵感。一般来讲，在艺术家与社会生活的关系中，直接体验是基本的，是艺术创作的基础；间接体验是必要的，是艺术创作的补充。　　另一方面，艺术家本人作为创作主体，总是属于一定的民族和时代，他与社会生活有着千丝万缕的联系。因此，艺术家在进行艺术创作时，不仅需要从社会生活中汲取创作的素材和灵感，而且要对社会生活作出判断和评价，自觉或不自觉地表明自己的倾向和态度，从主观方面也折射和体现出社会生活的影响来。艺术作品并不是社会生活的简单再现，艺术既是再现，又是表现。艺术世界中的人物形象和诗情画意，都是艺术家人生阅历和生活实践经验的结晶。　　一方面，社会生活作为艺术创作客体，为艺术家提供了创作的素材和灵感。另一方面，社会生活又对艺术家的思想情感和创作风格产生深刻的影响。在主客体这两个方面，艺术家都与社会生活结下了不解之缘。　　（3）艺术家的艺术才能与文化修养。艺术才能，是指艺术家创造艺术形象的能力，它是先天禀赋和后天训练培养相融合而形成的艺术创造力。无庸讳言，许多杰出的艺术家常常具有超出普通人的艺术天才，具有艺术的天赋和才能。例如，奥地利大作曲家莫扎特幼年就显露出非凡的音乐才能，他 3 岁学弹钢琴， 5 岁开始作曲，7 岁就随父亲和姐姐组成三重奏乐团，到欧洲各国的几十个城市作旅行演出，所到之处都受到当地群众狂热的赞赏，11 岁时就完成了第一部歌剧的创作， 13 岁时便担任大主教的宫廷乐师。但是，艺术才能虽然同艺术天赋分不开，但更有赖于后天的刻苦训练和培养，有赖于长期的、艰苦的、勤奋的艺术实践。从某种意义上讲，“天才出于勤奋”这句格言同样适用于艺术家。匈牙利钢琴家李斯特虽然有超人的天赋，但他的成就与后天的刻苦钻研和勤奋实践有着更直接的联系。李斯特 10 岁时就到维也纳正规学习音乐，12 岁时又只身来到异国他乡的巴黎，准备进音乐学院接受系统教育，虽因种种原因未能如愿，但他后来在巴黎期间，与流亡巴黎的波兰钢琴家肖邦交往，与德国作曲家舒曼通信，注意吸收巴黎各家各派钢琴演奏之所长，并且同当时法国的文学家雨果、乔治·桑等交往甚密，从中吸取了不少艺术营养，还注意从民歌和民间中吸收养料，终于在艺术上取得了突破，形成了自己独特的风格和学派。　　艺术生产作为一种特殊的精神生产，除了需要艺术家具有一定的技艺和艺术才能外，还需要艺术家具有一定的文化修养。艺术家的文化修养包括深刻的思想修养，深厚的艺术修养，以及自然科学和社会科学等多方面的广博知识。　　艺术家的文化修养，同艺术才能的培养一样，同样需要长期勤奋的学习和实践。达·芬奇之所以在绘画艺术中取得这样巨大的成就，除了优越的艺术天赋、刻苦的技巧训练外，同他渊博的科学文化知识也有很大的关系，他到佛罗伦萨后，除了学习绘画的技能技巧外，还向数学兼天文学家托斯卡奈里等人学习数学、透视学、光学、解剖学等多方面的科学文化知识，为他后来的艺术创作奠定了深厚广博的文化基础。艺术家深厚的文化修养，无不来自勤奋的学习、艰苦的探索和不懈的实践。这种学习，包括学习和借鉴前人的经验，也包括学习和借鉴同时代本国和外国艺术家的经验，还包括学习和借鉴其它姊妹艺术的经验，更包括学习哲学、历史、文学、美学、伦理学、心理学、社会学和自然科学等多方面的广博知识。只有这样，才能使艺术家真正具有博大深厚的文化修养
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清醒的艺术！有哪些因素容易影响图标的易用性？
编者按：今天给同学们絮叨下图标的事儿，在很多时候，图标其实会对界面的清晰性易用性产生负面影响。作为设计师，务必留意我们所习惯的图标使用方式，并尽可能的多测试，案例分析在这儿 &&&
图标是界面的基本组成部分之一，然而在很多时候，图标本身也在破坏着界面的清晰性。
象形图出现在人类早期，我们可以将其视为最初的文字形式。如今，在某些文明群体中，象形图依然是人们进行沟通的主要媒介。
在很多公共城所，图形时常被用于导航，特别是在譬如机场这样的多文化环境，仅凭文字传达信息显然是不够的。
而在计算设备上，图标随着GUI时代的发展而迅速流行。看看最早的桌面计算机GUI(Xerox Star)，设计师David Smith在其中使用了图标以及桌面隐喻的理念：
当然，我们都知道为什么图标可以迅速流行起来并发展成为UI的重要组成部分，直到如今更是如此 – 图标能给UI带来图形化的愉悦性，当我们设计的正确的时候，它们不仅能清晰的传达信息，而且能给界面带来个性与气质。
很多时候，一个简单的图标可以代替一段很长的描述性文字 – 对于手机甚至是手表这样的小屏设备来说，这样的特性无疑是非常有用的。不过这里也存在着设计上的陷阱 – 我们同样知道，如今很多图标在表意上其实是难以做到清晰准确的，它们需要人们思考，会提升体验过程中的认知负荷。如果无法快速而准确的传达信息，特别是对于移动设备而言 – 界面再漂亮，动效再炫酷，又有什么用呢？
其实原则很简单：只有当图标能够100%准确清晰的表达含义时，才去使用。别妥协。
说到表意模糊的图标，我想起最近在Twitter上看到的一张图片。看看作者对这些图标的神吐槽：
我们总会听到(或说出)这样的话：“人们每天都会用我们的软件，他们很快就能理解并记住这些图标的含义”。不能说没道理，但我有时还是怀疑这种看法的准确性。我自己每天都会多次用到Mac上的邮件应用，但每次我要写邮件的时候仍然会对那两个图标产生片刻的迟疑：
另外还有个坏消息：用户通常会下意识的回避掉那些他们无法即刻理解的界面元素 – 对未知事物的不信任，这是我们的天性。我猜Google在决定将其他app隐藏到一个表意模糊的图标后面之后，客服会收到不少类似的询问：“我的Google日历跑哪去了？”
经过重设计之后的Twitter，很多新用户无法快速了解他们在界面当中应当做些什么 – 应该是发推，但是从哪里开始？是那个蓝色的图标吗？它是什么意思，羽毛代表着一根笔吗？
再次改版后的Twitter增加了置顶的编辑框，使事情变得明了了很多：
另外，你知道你可以在Instagram里直接向好友发送图片信息吗？这个功能就藏在右上角的那个图标里：
作为Instagram的用户，你曾以这个图标为入口使用过这个功能没？这个图标能让你预期到这样的功能吗？对我来说，不能。
界面的上下文环境也是我们在设计图标时必须考虑到的重要因素，很多看上去含义清晰的图标在某些界面环境下很可能产生歧义。打开网页端的Gmail，你会看到这样的例子 – 看到那两个非常相似的图标没？它们出现在同一个界面中，却有着非常不同的含义：
这两个图标对于各自所代表的功能其实都算恰当，一个是返回，一个是回复，但这个界面环境却使它们产生了潜在的冲突；虽然特定的布局方式可以在一定程度上起到引导提示的作用，但问题仍然存在。
再举个正面的例子，Tweetbot当中的图标虽然对有些人来说表意不够清晰，但在“Twitter应用”这个大的环境下，多数目标用户 – Twitter的用户是可以理解的，因为这些图标的用法与Twitter是保持一致的，这还算OK：
iOS上的Tumblr也是类似，你不能说这些图标在所有情况下都是清晰明确的，但放在Tumblr这个app的环境当中，就可以比较准确的表达含义：
很多图标只有在音乐app这个特定的产品类型当中才能表达出准确的含义：
不过上图Mac版的Rdio当中，同一界面里两个地方使用了相同的扩音器图标，一个表示音量调节功能，一个表示当前播放的歌曲。
所以，说到这里我还是要重复一下：除非确定图标形式可以在当前界面环境中100%准确的表达含义，否则不要去用它。如果作为设计师，你都会产生片刻的迟疑，那么就干掉它好了 – 使用最简单的文字来替代，这是最清晰的表达方式。
当然，图形化的表达方式所具有的优点同样不可忽视，所以我们不妨在空间允许的情况下将图标与文字结合起来，同时利用两者的优点。
iOS默认的tab栏，以及苹果的很多其他产品当中都在使用着这样的模式，例如Mac上的App Store导航栏。这些图标单独拿出来的话未必能准确的表达含义，但搭配文字之后就清晰多了：
再比如网页版Twitter的导航：
另外一个尽人皆知的例子，就是Facebook在某轮改版中干掉了“经典”的汉堡包菜单，回归到最传统的iOS tab栏模式：
希望本文能让大家了解到，作为最基本也是最广泛运用的设计元素，图标——在很多时候其实会对界面的清晰性易用性产生负面影响。作为设计师，务必留意我们所习惯的图标使用方式，并尽可能的多测试。最后再絮叨一遍：不要使用那些难以清晰表意的图标；尝试使用更准确的文字标签，或将两者结合使用。
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大家在关注什么是艺术？艺术有哪些分类？_百度知道
什么是艺术？艺术有哪些分类？
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艺术可以定义为“人类以创造美为主要目的的技术及其产品”。艺术需要技术，但不是技术。但是随之而来的问题就是“什么样的技术才是艺术？”古希腊人引入了“美”的概念，然而对技术的划分并没有因为这个概念的引入而变得简单，恰恰相反，她变得前所未有的复杂。因为解释“美”本身并不比解释艺术更简单。 “现代汉词典”说：艺术是“用形象来反映现实，但比客观有典型性的社会意识形态。” “艺术”（ART）在西文里本义为“人工造作”。认识论认为：艺术是自然在人的头脑里的“反映”，是一种意识形态；实践论认为：艺术是人对自然的加工改造，是一种劳动生产，所以艺术有“第二自然”之称。人类劳动是为了创造物质财富和精神财富，一切艺术都要有一个创造主体和一个创造对象，因此，它既要有人的条件，又要有物的条件。人的条件包括艺术家的自然资禀、人生经验和文化教养；物的条件包括社会类型、时代精神、民族特色、社会实况和问题，这些都是需要不断加工改造的对象；此外还要加上用来加工改造的工具和媒介。所以艺术既离不开人，也离不开物，它和美感一样，也是主客观的统一体。 1999年版《辞海》对艺术的内涵和外延作了解释： “人类以感情和想象作为特性的把握世界的一种特殊方式，即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。具体说，他们是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。作为一种社会意识形态，艺术主要是满足人们多方面的审美需要，从而在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用。根据表现手段和方式的不同，可分为表演艺术（音乐、舞蹈），造型艺术（绘画、雕塑、建筑），语言艺术（文学），综合艺术（戏剧、影视）。根据表演的时空性质，又可分为时间艺术（音乐），空间艺术（绘画、雕塑、建筑），和时空并列艺术（文学、戏剧、影视）。” 艺术的分类有哪些？ “艺术”是所有不同种类艺术作品的总称。但是各类艺术还有它自身的特殊性或内部规律，各类艺术既相互依存、相互渗透，又各自有其特殊性而互相区别。要认识各类艺术，的不同特征，就要认识它们的相互区别的特殊性。艺术分类的目的和意义，就在于认识和掌握这种特殊性或内部规律，借以提高我们的艺术审美认识和艺术创造能力。 古人们早就专注于艺术的分类问题了。我国战国时代的《乐记》就提出了“声”与“音”的区分。在后来《毛诗序》中对诗、歌、舞的联系与区分也提出了明确的见解，魂晋六朝时代文学上提出了文与笔之分，后来曹丕的《典论论文》，陆机的《文赋》、刘勰的《文、心雕龙》等也对文体的分类作过研究。唐代以后关于诗歌、绘画、书法以及舞蹈、音乐的联系与区别的论述，都是前人在总结艺术实践基础上得出的宝贵经验。 事实上，艺术是人们对现实的审美认识和再观的统一。但是，不同种类的艺术有不同的认识具体对象和表现手段，而且人们面对不同的艺术作品，感受也不相同。艺术的分类在西方美学史上也早就提出来了，有着各种分类的原则，概括地说主要有两种：一是从艺术反映对象或形式的特点来分类，二是从艺术创造和感受艺术的主体方面的特点来分类。 从艺术反映对象或形式的特点来分类，就是认为艺术之所以分为不同的类别，具有不同的特点，这是由于它所反映的客观对象的不同或表现手段的不同决定的。亚里斯多德从摹仿说出发，在《祷学》中他根据艺术摹仿的对象，方式和手段来区别各类的艺术。他指出：“有一些人（或凭艺术、或靠经验），用颜色和姿态来制造形象、摹仿许多事物，而另一些人则用声音摹仿”，“另一种艺术则只用语言来摹仿。”他以此来区分画家、雕刻家、歌唱家及史诗作者。他认为一切艺术都是摹仿，而主要差别在于摹仿的对象、方式与手段。继亚氏以后，莱辛又从“诗与画的界限”的角度探讨了艺术的分类原则。亚里斯多德和莱辛的艺术分类原则是以朴素的唯物主义认识论为基础的，他们肯定了艺术是现实的反映(摹仿)，艺术的特点存在于摹仿对象客观特性。这种分类法是具有其合理因素的。 其后，黑格尔从艺术是“绝对理念”的感性显观的认识击发，把艺术分为象征型、古典型和浪漫型三大类。象征型以建筑为代表，古典型以雕刻为代表，浪漫型则以绘画、音乐和诗为代表。虽然黑格尔也是从艺术反映的对象来确定艺术的分类，但由于这一对象是一种绝对精神实体，因此他的分类法是形而上学的。尽管如此，他对各种艺术的一些具体研究还是有其独到的贡献的。 从艺术创造和感受艺术的主体方面的特点来分类，就是认为艺术之所以分为不同的类别、具有不同的特点，这是由于客体对主体的不同感觉器官所引起的不同感觉特点所决定的。如康德，他从主观唯心主义观点出发，—认为人的本性就具有感觉、直观和想象的能力，这是划分艺术分类的基础。与人的感觉能力相适应的是音乐，与人的直观能力相适应的是造型艺术，与人的想象能力相适应的是诗。因此他把艺术分为语言艺术、造型艺术和感觉游戏的艺术三类。近代西方美学家也从各自的分类原则出发提出过许多分类方法。有的人以空间并存与时间序列为原则，把艺术分为空间艺术(建筑、雕塑、绘画等)、时间艺术(音乐；器乐、声乐)，时空联合艺术(诗：叙事诗、抒情诗，戏剧)，另有人则根据“观念的外观”的不同特点，疤艺术分为视觉的、听觉的和想象的，更有人认为各类艺术在本质上都是直觉的表现，干脆提出了“艺术即直觉”的说法…… 美学发展史上出现的关于艺术分类的各种歧见，其根源是各个分类者的观点和依据的原则不同。这些不同的观点，虽然各有其局限性或片面性，但总的说来，却从不同的角度对艺术作品的内容和形式的各方面特点进行了有声的探索。它可以启示我们，艺术作品象世界上其他一切复杂事物一样，本身具有多方面的意义，因而，我们也必须从多方面来进行考察，探求艺术分类的基本原则。1、艺术分类的方法 从艺术作品的产生过程我们可以看出，艺术作品是艺术家的审美意识的物态化成果。因此，不同艺术种类的特点应该是由艺术家的审美意识的特点以及利用什么材料作媒介、以什么样的物态化方式呈现在欣赏者面前这样两个方面所决定的。 艺术既是再现和表现的统一，又是时间和空间的统一。艺术的本质，就客观方面说，它是客观现实的反映或再现；就主观方面说，它是人对客观现实的感受，认识，即艺术审美活动的物化形态或表现。艺术就是这两方面的有机统一。 首先，各类艺术作品都是现实生活在人类头脑中反映的产物，其内容都是客观与主观、认识与情感，再现与表现的统一。但早，艺术家对于现实美的感受和认识往往会有所侧重和各具特点，由此获得的审美意识在理解，情感和想象等方面必然带有各自的特色。再加上社会需要、创作目的等条件的不同，致使不同的艺术家，有的侧重于反映现实生活的客观面貌，偏重于再现客观事物；有的侧重于表现从观实生活得来的主观感受，偏重于抒发自己的主观情感。这样，就使得有些艺术是以再现客观事物的形象为主，如绘画、雕塑、叙事文学、戏剧、电影等；有些艺术则更适合于表现艺术家的主观情感，如音乐、舞蹈、建筑艺术、工艺装饰、抒情文学等。 其次，从审美意识物态化时所采用的方式和媒介来说，有些艺术成果能以静态的方式并列地呈现于一定的空间之中；有些艺术成果必须以动态的方式连续地呈现于一定的时间之中，或呈现于一定的时空之中。在这里，各种艺术所运用材料和媒介对于艺术形象的呈现方式具有客观的制约作用。如建筑、绘画和工艺所使用的艺术材料不同，表现手法不同，但它们都是用各类物质材料构成的占有一定空间位置的静物，因而它们宜于塑造呈现于一定空间的静态形象。而音乐采用的流动的声音，舞蹈采用的人体转换动作，戏剧、电影所运用的演员的表演等，则都是伴随着时间的流逝而运动的，因而就宜于塑造呈现于时空之中的动态形象。把再现与表现、空间与时间统一起来，我们大致可以把艺术分为五类：偏重于表现空间静态的实用艺术：建筑艺术、工艺偏重于表现时间动态的表演艺术：音乐、舞蹈偏重于再现空间静态的造型艺术：雕塑、绘画偏重于再现时间动态的综合艺术：戏剧、电影兼有表现及再现时间动态的语言艺术：文学 艺术的分类是相对的。各类艺术可以区分而又互相联系，互相渗透。如诗和画是可以区分的。但古人就有“诗中有画，画中有诗”的说法，也有人持“书画同源”的主张，有的艺术品画中题诗，诗里配画，故而很难将它们截然分开来。除此之外，各门类艺术之间又有互相联系，互相渗透的一面，在电影和戏剧中这种现象尤为明显。各类艺术之间存在的这种联系和渗透情况以及新的艺术门类的产生，都说明了艺术的分类是相对的。艺术种类的划分，是随着人类生活的发展，艺术的发展而不断丰富的。这种相对的分类研究，目的在于寻找和发现各门艺术反映现实、表达审美意识的特性规律。自觉地认识和掌握这些规律，既有助于艺术家发挥自己的优势进行美的创造，也有助于广大群众提高欣赏各类艺术的审美能力和鉴赏能力，因而是十分必要的。
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